ANNA CALVI – PEAKY BLINDERS ORIGINAL SCORE SEASON 5 & 6

«Me fascina la manipulación de las emociones con el sonido. Es misterioso para mí. A veces, poner en una escena la música opuesta a la que esperarías tiene el mayor impacto»

Anna Calvi

Lamentablemente no habrá temporada 7, la sexta será la última, como confirmó meses atrás Anthony Byrne, director de las últimas entregas de Peaky Blinders. Byrne aseguró que «el final es perfecto». Sin embargo, las aventuras de Thomas Shelby y familia no terminarán con la temporada 6. El creador de la ficción, Steven Knight, confirmó que en 2023 arrancará el rodaje de una película que continuará con la historia y servirá para cerrar las tramas que queden abiertas. Esta película sustituirá a la séptima temporada que había sido anunciada en el año 2019 y descartada posteriormente.

Pero… ¿qué significa Peaky Blinders? Durante el transcurso de la Primera Guerra Mundial se formaron muchas pandillas callejeras entre los jóvenes ingleses. Los Peaky Blinders fueron una de ellas. Se ubicaron en la ciudad industrial de Birmingham (Reino Unido) y la serie se inspira en estos brummies, nombre que define los habitantes de esta ciudad.

Si la música de las anteriores temporadas fue tremendamente intensa y espectacular, la perteneciente a las nuevas entregas son obra de Anna Calvi, cantante y compositora británica capaz de cruzar cualquier límite sónico. Ambos discos se han lanzado a través de Domino Soundtracks y la producción ha corrido a cargo Nick Launay. Cada temporada tiene su banda sonora y un lanzamiento independiente, pero se han publicado al mismo tiempo. La propia Anna Calvi habla de sus sensaciones: «Me encariñé muchísimo con los personajes de Peaky Blinders. Además de Tommy, sentía especial apego por los personajes femeninos, como Polly Shelby. Quería hacer lo mejor con estos personajes, quería darles la música más increíble que pudiera escribir, como un homenaje a ellos. Cuando la actuación es tan buena como en Peaky Blinders, tu trabajo como compositor se siente como un toque muy ligero porque los actores expresan una emoción muy intensa. Volver a componer tras el nacimiento de mi hijo Elio, las seis semanas posteriores fueron muy penetrantes. Estaba amamantando con una mano y componiendo en el piano con la otra. Me despertaba por la noche para alimentar a mi hijo y luego me quedaba despierta componiendo música»

Para la artista componer ambos trabajos ha sido una experiencia de fusión entre atmósfera y espacio como bien afirma en su página web: «Existen muchos matices a la hora de componer para una película. Se trata más de lo que dejas fuera que de lo que dejas dentro. Tuve que dejar que la voz de los actores hablara por sí sola, pero encontrar la manera de transmitir esta emoción. Me obsesioné completamente con Tommy Shelby, soñaba con él cada noche mientras trabajaba en las partituras, tenía que habitar realmente el espectáculo» (Anna Calvi).

Recordemos que la artista ya publicó en mayo del pasado 2023 un EP llamado Tommy. Incluía cuatro canciones originales basadas en la serie: una versión de Red Right Hand (tema principal de Peaky Blinders de Nick Cave & The Bad Seeds, dos canciones escritas para la serie, Ain’t No Grave y Burning Down y una versión de All The Tired Horses de Bob Dylan. Al respecto, Anna comentó: «La única forma de escribir para esta serie era entrar en su cabeza: He soñado con el protagonista todas las noches y durante meses. Cuando tomo mi guitarra trato de sentir y tocar sus pensamientos internos. Mi guitarra es su violencia y mi voz su esperanza. Es el último antihéroe: asesino, frío, aterrador y, sin embargo, tiene un profundo amor por su familia y una ingenua esperanza infantil de que algún día se levantará por encima de todo. Quería creer que Aint No Grave era la canción que rondaba en su cabeza mientras caminaba a cámara lenta por su vida. ¡Creo que Tommy será parte de mí para siempre!» (Anna Calvi).

Anna Calvi nació en el barrio londinense de Twickenham, Reino Unido. Hija de padre italiano, pasó la mayor parte de sus primeros tres años de vida en el hospital debido a problemas de salud.​ Posteriormente, tras licenciarse en música, lanzó su primer disco en 2011 (Anna Calvi). Desde entonces Nick Cave la apadrinó y Brian Eno la consideró como «la mayor cosa desde Patti Smith».

Sin lugar a dudas, no es fácil componer la banda sonora de una serie televisiva tan potente como es Peaky Blinders, y a su vez, mantener dicha intensidad en la confección. Imagen y sonido deben estar perfectamente sincronizados a fin de construir un proyecto común de coherente coexistencia. Las 17 pistas que componen la temporada 5 y las 20 que conforman la 6, son realmente espeluznantes. Logran erizar la cabellera y que la piel se transforme en un mapeado de escalofríos. Anna Calvi ha logrado sintetizar con su música el complejo líquido emocional que alimenta las arterias de la serie. Ella misma lo matiza en su website: «En la banda sonora de las temporadas 5 y 6 terminé tocando muchos instrumentos. Con algunos no me sentía tan cómoda, como el violín, el piano y la percusión. Pero cuando lo que buscas es puramente emoción, la técnica es menos importante. Esta fue una buena lección para mí».

El primer tema que abre esta tremenda explosión emocional es You’re Not God, un pavoroso grito que te conduce a un sobresalto inesperado. Nadie espera un arranque tan poderoso y atroz. Ese estallido es un grito de dolor y miedo que busca desesperadamente liberarse de la tragedia que se avecina. Un consejo… escuchad la música de ambas temporadas con calidad de sonido y volumen alto.

Todo el álbum mantiene un estilo y una personalidad muy fuertes. Es pura corriente alterna, chispazos continuos, quebranto, desolación, angustia, desenfreno, parálisis en el tiempo. Pocos son los adjetivos que enumero. Hay momentos que el sonido evoluciona como adherido a un time lapse, mientras que en otros amenaza con caídas repentinas y subidas estrepitosas.

Es más, a veces la arquitectura sónica se detiene, ipso facto, produciendo un silencio breve y frío entre bajas y altas frecuencias que se transforman en una slow motion. El sonido es sincopado, con múltiples contrapuntos y oscilaciones. La guitarra chirria, pincha, llora, se lamenta, escuece y se distorsiona. Las cuerdas se deslizan como cristales que rozan superficies de metal pulidas. A ello se añaden muchos ecos, slide guitar y reverberación, hechos que confieren un clímax de pavor y profundidad. Existen pasajes que exhalan demencia que asustan al oírlos. Todo es muy eléctrico y percusivo, gélido y cálido a la vez. Son los oscuros ensayos sobre la turbulencia y el drama.  

La música de tan preciada serie es un devaneo continuo, un oscilograma atmosférico y cacofónico cuyos espectros ascienden o descienden hasta quedar completamente suspendidos en su propio clímax. Junto a ellos, los coros se tornan ecográficos, cavernosos, acompañados de perversas sonoridades etéreas. Existen fragmentos donde los opuestos pugnan entre sí. En esa lucha, el amor, la devoción, el dominio y la venganza se enfrentan a causa de las muertes, los sollozos, las quiebras, las traiciones, las alianzas y el sexo que se producen. La brutalidad escénica y los instantes más suaves se dan cita en este vertiginoso océano de emociones.

Los personajes de la serie se manejan en torno a los conceptos descritos. Son criminales violentos que matan fría y apasionadamente, pero a la vez, aman y protegen sus valores (amistad, fraternidad, familia, respeto, moral). Tienen sus propios códigos éticos sobre los cuales definen la vida o la muerte. Es la ley de la supervivencia vista desde la perspectiva Blinder.

Si tuviera que comparar su arquitectura sónica con la de otros artistas o bandas sonoras me acercaría a David Lynch, a Angelo Badalmendi, Bohren & Der Club of Gore, The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble y diversos autores de dark ambient y electrónica industrial oscura.

Peaky Blinders Original Score Season 5 & 6 es una obra maestra. Anna Calvi, junto Nick Launay se han superado a sí mismos. La enorme cantidad de sonidos que manejan, su instrumentación diversa, las mezclas, los efectos electrónicos, el juego de voces y coros, las percusiones… todos ellos enlazados para destilar momentos muy duros, violentos, tiernos y tristes, demuestran el poder creativo y emocional de ambos artistas. La guitarra visceral de Calvi y las habilidades productivas de Launay, hacen que toda esta ingeniería construya un espectáculo sonoro imbatible sobre una tremenda época de turbulencia histórica británica. 

Solo me queda decir que Peaky Blinders Original Score Season 5 & 6 es un trabajo impresionante, donde se han invertido montones de horas, esfuerzos, pasión, talento, e imaginación y que solo por eso ya merece el mayor de los reconocimientos. Aviso… no es un disco para sensibilidades acostumbradas a la comercialidad. Es tremendamente atmosférico y ambiental. Pero sí es un viaje sónico para flipar y meterse de pleno en el complejo mundo de la psicología Blinders y de la enorme y capacidad virtuosa de Anna Calvi y Nick Launay.

Carlos Flaqué Monllonch

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MALDICIONES Y MALDITOS EN HOLLYWOOD: GLAMOUR Y TORMENTO INVISIBLES

Entre las décadas de los años veinte y cincuenta de la pasada centuria, las películas, que comenzaron siendo curiosidades de gabinete en ferias, lograron convertirse en el mayor espectáculo del mundo. Los protagonistas de aquellos shows de celuloide que encandilaban al público desde la gran pantalla, pronto fueron erigidos como reyes dominantes del imaginario colectivo del siglo XX. Pero aquel panteón cada vez más poblado de rutilantes deidades, albergaba asimismo siniestros y decadentes bastidores, plagados de sombras sin fin: espectros, maldiciones, muertes extrañas, crímenes sin resolver, adicciones, magia sexual, satanismo… Hechos misteriosos, sucesos estremecedores y, en ocasiones, atroces ocurrían entre el lujo y la fatalidad, entre el oropel y la decadencia.

El mundo del cine contiene infinitos sueños maravillosos, pero también innumerables tragedias... e interminables misterios. Este libro, Maldiciones y malditos en Hollywood: Glamour y tormento invisibles reúne un puñado de relatos apasionantes, tan solo unos pocos de entre los cientos y cientos que encierra tan peculiar y deslumbrante universo de estrellas, del que la autora se confiesa auténtica fanática. Con una pasión que contagia y una redacción que enganchará de la primera hasta la última página, Patricia Prida nos ofrece un recorrido perturbador y a la par adictivo por las historias más siniestras del emblemático Hollywood.

Desde el 2003, Patricia Prida desarrolla su actividad en los ámbitos de la divulgación cultural y de los medios de comunicación. Durante 15 años formó parte del equipo organizativo del Festival Internacional de Cortometrajes de Torrelavega (FICT). Locutora y narradora, en el año 2004 comienza a colaborar en varias emisoras de radio en programas de cultura de Cantabria y de cine. Asimismo, entre 2015 y 2018 presentó y codirigió el espacio televisivo acerca del séptimo arte La Pantalla Indiscreta, en Cantabria TV. Desde hace años, también se dedica a la labor de cuentacuentos y grabación de relatos. En julio de 2004 inició su proyecto más personal: Proyecto Terror. Programa cultural y estético en el que da rienda suelta a sus pasiones hablando de cine de terror, literatura y relatos de género, misterio, horror folk, música oscura…

 

SERIE DEL MES: TODOS QUIEREN A DAISY JONES

Todos quieren a Daisy Jones se construye dentro de un marco de falso documental que sigue los acontecimientos de una banda de rock ficticia y activa durante los años 70 en Los Ángeles, California. La serie no es, por tanto, una historia real, pero si está inspirada en las figuras emblemáticas de Stevie Nicks y Lindsey Buckingham, ambos pertenecientes a la emblemática banda británica Fleetwood Mac, y cuya relación fue tan compleja y tormentosa que quedó plasmada en su álbum, Rumours.

La serie abarca diez capítulos y en ella se introducen emociones y reflexiones que lejos de ser tratados filosóficos, dan las pautas necesarias para pensar y sacar conclusiones. Por tanto, no estamos ante una serie compleja que pretende ser una obra de autor, esa es la gracia. Su construcción es simple, pero te agarra emocionalmente como un pulpo a la roca. ¿Veamos por qué?

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MEMENTO MORI, EL ÁLBUM QUE HABLA DE LA MUERTE Y DE LA VIDA

«Un miedo premonitorio se coló en muchas canciones del album. El sentido de que el final se aproxima, de que llegamos al destino, penetró en el disco»

DEPECHE MODE

Memento Mori es una de esas expresiones latinas que tras oírla uno se queda sin habla, completamente petrificado. Sobre todo, cuando descubres su significado: recuerda que morirás. También es un dictum que obedece a esa épica frase romana cuando las huestes desfilaban victoriosas por las calles de Roma. Les hacía recordar que el ser humano tiene límites y que la muerte ronda siempre muy cercana al soldado: Deja la soberbia del triunfo porqué mañana puedes ser carne para los cuervos.

Estas duras connotaciones han servido para inspirar el título del nuevo album de Depeche Mode, Memento Mori, recién publicado este 24 de marzo de 2023 y que ha generado una gran expectación a nivel mundial, sobre todo teniendo en cuenta su tour 2023 y posiblemente el adiós definitivo de la mítica formación.

Por todo ello, Memento Mori es un disco distinto, oscuro con algunos destellos de luz, fraguado en torno a la muerte y la vida, y teniendo como marcados referentes los efectos pandémicos del Covid 19 y el triste fallecimiento de Andy Fletcher, el inolvidable teclista de la banda. Ambas coyunturas manifiestan la negrura que ha envuelto a la banda, su cercanía e inexorabilidad con la muerte, elemento final al que todos estamos abocados, sin excepciones.

Sobre este aspecto el propio Martin Gore ha comentado: «Cuando eso ocurrió tuvimos que tomar una decisión: seguir con el proyecto y el calendario programado, o dejarlo correr. Y decidimos seguir adelante porque pensamos que era lo mejor para nuestra salud mental: hacer y focalizarnos en la música que amamos. Teníamos que seguir como Depeche Mode por el bien de todos» (La Vanguardia).

Sin duda, son las palabras que reflejan ese reverso que clama el Memento Vivere (o recuerda que tienes que vivir). Como bien argumenta Martin Gore «todos deberíamos aprovechar al máximo nuestro tiempo aquí, porque es muy limitado. Debemos vivir la vida, sus momentos. Andy ya no está, pero todo lo ves muy cercano». No valoramos la vida hasta que la muerte agita sus negras alas cerca de las personas queridas. Aunque las mejores épocas de la banda ya pasaron, Depeche Mode siempre ha editado obras dignas que le ha permitido mantenerse en la brecha hasta la actualidad, olvidándose de tener que vivir del pasado y de sus revivals: «Si quisiéramos, podríamos dejar de sacar música y limitarnos a tocar los éxitos, pero no es eso lo que queremos» (Dave Gahan).

Memento Mori es un álbum maduro, evolutivo, lleno de agradables sorpresas sonoras. Las críticas más especializadas se han volcado en ello: «DM ha conjurado una colección de canciones fuertes sobre grandes temas, entregadas con sensibilidad y convicción. Destaca con lo mejor de su carrera» (The Telegraph). «Memento Mori indica que todavía hay nuevas formas para la vieja magia» (Pitchfork). «Memento Mori es un triunfo absoluto (…) verdaderas canciones de fe y devoción (…) Un puñado de gemas pop (The Quietus). «Depeche Mode siempre ha convertido la agitación, la tensión y los momentos más oscuros en magia. Memento Mori es su mejor álbum de lo que va de siglo y, lo más importante, es un testimonio de creatividad y amistad» (NME).

El disco ha sido producido por James Ford (Arctics Monkeys, Pet Shop Boys) y Marta Salogni (Björk, Bloc Party). En la composición ha colaborado Richard Butler (The Psychedelic Furs) con varios temas excepcionales. El fantasma de la pandemia y el fallecimiento de Fletch han sido la oscura brújula que ha marcado el rumbo de todas las canciones.

El álbum consta de 12 canciones que giran en torno a las pérdidas que sufre el ser humano a lo largo de su existencia, como el sexo, la amistad, las adicciones, el exceso de información, la muerte… Todos ellos conforman una arquitectura conceptual que articulan un mismo mensaje: el tiempo está ahí, pero pasa y nos hace vulnerables y fuertes a la vez. Por ello, debemos seguir pase lo que pase, aunque la negrura se cierna sobre nosotros. Memento Mori dibuja pues una línea que recorre múltiples estados de ánimo, desde la paranoia pasando por la obsesión, hasta alcanzar la catarsis y la alegría.

Conceptualmente la portada del album refleja esa simetría antagónica entre los extremos de una misma realidad, tesis y antítesis como bien evidencia la dialéctica hegeliana al definir el proceso de la existencia o síntesis. Los tres colores abarcan los tres estados de la vida: el blanco como la pureza de un ángel, el rojo como la sangre que hace fluir la vida dentro de nosotros mismos, y el negro como símbolo de la oscuridad final, el tono más dominante de la portada. Una triade que llevamos inserta desde que vemos la luz. Veamos los temas uno a uno.

Arrancamos el album con My Cosmos is Mine, un tema soberbio, de apertura, con rasgos claramente experimentales, gaseosos, sombríos, cacofónicos, ecográficos y resonantes, un tejido sónico que refleja la lucha que tenemos día a día con nuestra privacidad que pugna por salir de esa caverna platoniana que nos condena a la oscuridad. Nuestro espacio es personal e inviolable; en él «no hay guerras ni miedos», es una frase que se repite una y otra vez como un mantra existencial que nos advierte sin tapujos de la aguja hipodérmica que tratan de inocularnos: «No juegues con mi mundo. No juegues con mi mente. No cuestiones mi espacio-tiempo. Mi cosmos es mío». Son palabras sinceras que muestran nuestra reacción defensiva ante las amenazas que se ciernen sobre nosotros.

Llegamos a Wagging Tongue, ese momento donde hay que soltar las palabras, dejar fluir todo el dolor y la oscuridad que impregna nuestra. Y sobre todo, no dejarse atrapar por ambos: «No harás bien en oscurecerme, con tus secretos y mentiras, con tu penetrante código de silencio (…) Todo parece vacío cuando ves morir un ángel».

Ghosts Again es la estrella del álbum. El single y video que se extrajo del tema refleja el concepto que transmite el mismo: quiebra, muerte y resurrección. Es ese dolor por la pérdida del ser querido, pero que aún está presente como un fantasma o un ángel blanco. Es el espacio que jugamos entre la vida y la extinción, la añoranza y la resignación, sensaciones todas ellas que, frente a frente, pugnan sigilosamente hasta que la partida se acaba: «El tiempo es fugaz. Mira lo que trae (…) volveremos a ser fantasmas». El tema fue compuesto por Martin Gore y Richard Butler de Psychedelic Furs.

Don’t Say You Love Me, es una preciosa balada que ondula como una ola oceánica a través de un claro de luna, pero la letra abofetea el alma como un duro reverso: «Tú serás el asesino y yo seré el cadáver / Tú serás el thriller y yo seré el drama…» Este contraste entre sonido y letra hace que el tema se agarre profundamente en la garganta.

My Favourite Stranger, inspirada en el quebranto que aún sigue presente enmascarado como un perfecto extraño: «(El) suelta mi nombre (…) Habla cuando yo hablo. Sigue mis pasos y habla en mis sueños».

Soul With Me, es un track caprichoso dentro del concepto global. Lo más interesante es su letra: «Dejando mis problemas y los desastres del mundo, me dirijo hacia el cielo abierto. Veo la belleza, a medida que las hojas comienzan a caer, sigo la luz hacia las voces que llaman y hacia donde los ángeles vuelan».

Caroline’s Monkey, junto a Ghosts Again, es otras de las canciones apasionantes del álbum. Se trata de una síntesis sónica donde se fusionan perfectamente ritmos, voces, melodías y electrónica. Hace referencia a la fragilidad de los sentimientos y sobre las adicciones donde podemos caer: «Desvanecerse es mejor que fallar. Caerse es mejor que sentirse. Doblarse es mejor que perder. Arreglar es mejor que sanar». Siempre hay una salida mejor que dejarse llevar.

Before We Drown no se anda con rodeos. Va directo a la yugular de lo que nos oprime, como el discurso épico que lanza el general antes de lanzar a sus hombres a la lucha: «Tenemos que avanzar sino queremos ahogarnos».

People Are Good, me recuerda los viejos tiempos de People are People (1984) donde se denunciaba el racismo y la guerra. Ahora, a pesar de la triste realidad que sigue agobiándonos, la gente parece buena. Las cosas malas que hacen son una manifestación de los que están sufriendo por dentro. La canción se alza como una esperanza que necesitamos creer.

Always You es la exaltación desesperada que desata la necesidad de tener cerca alguien a quien amar dentro de la realidad que nos engulle. No hay nada peor que sentirse solo en un mundo lleno de seres vacíos, sin tener algo o alguien en quien confiar: «Mi amor, no hay más palabras, la vida es demasiado absurda, por qué reina la locura. Y luego estás tú. Siempre tú. La luz que me saca de la oscuridad».

Never Let Me Go es otra alegoría al amor incondicional. Contiene reflexiones que desatan ese ímpetu por amar sin rupturas: «Cuando la incertidumbre se disipe, estaremos listos para ceder. Seremos faros brillando (…) como estrellas en la tenebrosidad y amantes en las sombras».

Speak To Me es el tema que cierra el álbum. Un momento conmovedor para recomponer la trama de la vida y reflexionar sobre sus detonantes. Los compases últimos muestran una épica celestial y aplastante, un ascenso y disolución en las burbujas del polvo y la nada, la muerte. Sin duda, una canción que sobrecoge hasta el último aliento.

Concluyendo. A rasgos generales, Memento Mori dista de ser un plástico como lo fueron en su tiempo Some Great Reward (1984), Songs Of Faith and Devotion (1993), Black Celebration (1986), Ultra (1997) o los inolvidables Violator (1990) y Music For The Masses (1987). Los tiempos han cambiado pero el concepto y la calidad siguen marcando las diferencias. Sin duda, el estilo es diferente, más oscuro, pero fulge destellos de esperanza y luz.

Memento Mori es un buen disco, sobre todo teniendo en cuenta las circunstancias que han envuelto su creación, su mensaje y su coyuntura. Partiendo de esto, probablemente la banda esté ya gestando su fase final. El paso del tiempo y las ausencias suelen jugar malas pasadas a pesar de esforzados renacimientos.

Estamos pues ante un disco que, a modo de advertencia, nos indica que todo llega a su fin, y aunque existan resurgimientos existenciales, los esfuerzos por renovarse y superar los momentos más complejos, las punzadas y el envejecimiento dejan cicatrices difíciles de curar. Memento Mori es un punto de cambio, una inflexión y un paso valiente hacia adelante, que nos pone los pies sobre la tierra y nos recuerda que el momento de cerrar ojos está a la vuelta de la esquina. De ahí que debamos aprender a vivir lo mejor posible, aprovechar nuestro tiempo, porque la mortalidad nos está acechando. Sin duda, este es el principal mensaje y valoración de Memento Mori, y como bien nos recuerda Dave Gahan: «Siempre hay un elemento de oscuridad en nuestras canciones, como en la vida. Pero la realidad gira en torno a elecciones que hagamos».

Carlos Flaqué Monllonch. Texto original publiucado en Crazyminds 

THE LEGENDARY PINK DOTS, LA BANDA QUE SONDEA EL ALMA HUMANA

«Hay personas con posiciones predominantes que les gusta vomitar dogmas y azuzar odios. Cuando empiezas a pensar en las oligarquías y en aquellos que controlan el mundo, y ves las distorsiones que ofrecen los medios informativos sobre la realidad que nos pisotea, te das cuenta que la mayor parte de las agresiones provienen de los Estados Unidos. Por suerte aún hay mucha gente buena, cosas buenas, y mucha belleza en el mundo. A veces puede ser difícil verlo, pero eso no significa que no esté allí. La gente necesita aprender; no puedes apoyarte en un hombre en el cielo, o en algún tipo de político o sistema, en última instancia, todo se reduce a ti mismo: cada uno es el gobernador de su propia alma. No te puedes esconder en nada, ni en nadie, ni detrás de ningún dogma o ideología. En última instancia, creo que el estado más puro es una especie de Anarquía».

Edward Ka-Spel (The Legendary Pink Dots)

Hace tiempo que estaba deseando hacer un homenaje especial a una de las bandas más creativas y psicológicas que ha dado el mundo de la música rock. Me refiero a esos legendarios puntos rosa que desde 1980 no han dejado de resplandecer e hipnotizar a los que seguimos sus pasos. Como tampoco sorprender a todos aquellos que aún permanecen en la línea desconocida de su abrasador brillo. Si realmente os gusta la música diferencial, inteligente y depurada, conceptuada a sus máximos niveles de sonido, armonía y mensaje, The Legendary Pink Dots, son una formación referencial y muy peculiar. Plantea múltiples registros mientras bucea de forma alternativa por nuestro mundo y existencia. Si te atreves con ella, no te quepa la mayor duda de que va a ocupar tu mente durante muchos años.

Crazyminds, consciente de este legado, dedica este homenaje a tan singular banda teniendo en cuenta que ya en 2022 la referenció para Halloween, se comentó su disco The Museum of Human Happiness y se habló del solitario trabajo de su líder Edward Ka-Spel, Prints of Darkness, un disco que deja pasmado al más cuerdo.

The Legendary Pink Dots, también abreviados como LPD, son una banda de rock experimental anglo-holandesa que se formó en el fructífero Londres de los 80, cuna revolucionaria de movimientos alternativos como new romantics, new wave, cold wave, ska, synthpop, etc., y de artistas icónicos como Depeche Mode, Joy Division, The Cure, Smiths, Pet Shop Boys, etc. Sea como fuera, LPD se fraguaron dentro de su propio entorno psicodélico y post punk, convirtiéndose, junto algunas otras bandas del estilo, en un emblema inconmensurable de ese universo hiperdimensional y alejado del resto de movidas musicales.

Fue justamente durante 1984, curiosa fecha orwelliana, cuando la banda abandonó Londres para mudarse a Ámsterdam, la ciudad que ha deslumbrado siempre por su aperturismo cultural. En el seno de tan significante metrópolis, se condensaron los principales miembros de la formación: el cantante, teclista y compositor Edward Ka-Spel y el teclista Phil Knight. Este último se retiraría de las giras en 2022 siendo substituido por Randall Frazier, músico migrado de Orbit Service y de A Star Too Far. En ese mismo año se unieron las destellantes guitarras de Erik Drost y el sonido exquisito del ingeniero Joep Hendrikx. No obstante, al margen de la estabilidad de los miembros principales, la participación de otros músicos ha sido muy habitual según el concepto de cada album. Es la manera de obtener líneas nuevas de trabajo y evitar los encasillamientos o vacíos creativos.

Cabe decir que como formación en sí misma, LPD ha lanzado a lo largo de su carrera casi una cincuentena de álbumes de estudio, múltiples compilaciones, pistas inéditas, improvisaciones y varias participaciones (Amanda Palmer, por ejemplo). Pero también sus numerosos discos en directo y EP`s, así como los trabajos en solitario de Edward Ka-Spel (alrededor de 45 álbumes) y los realizados con The Tear Garden, un proyecto musical creativo junto a  cEvin Key de Skinny Puppy. Como podéis ver, estamos ante una discografía inmensa e incansable, imposible de tratar en su globalidad, pues cada trabajo tiene su propio universo y debería ser analizado en libros especializados teniendo en cuenta todo su extraordinario abanico de aspectos.

Otra de las peculiaridades destacables en la discografía de los Pink Dots es su eterna devoción por el soporte de vinilo, pues por tamaño y formato permite una expansión gráfica y sonora inalcanzable en otros formatos. Es por eso que, salvo escasas excepciones, todos sus álbumes son editados bajo este sistema incluyendo pistas exclusivas e inexistentes en los soportes de CD. Asimismo, The Legendary Pink Dots ha editado y lanzado sus discos en gran número de sellos, aunque cuenta con su propio sello, The Terminal Kaleidoscope, y una página de bandcamp dedicada a la auto distribución digital y en la cual se pueden encontrar valiosísimas joyas.

Al margen de su calidad y singularidad sonora y compositiva, personalmente suelo destacar en la banda, el concepto gráfico que poseen sus portadas discográficas. En ellas se representa un lenguaje iconográfico que suele encerrar diversos mensajes ocultos que precisan ser descifrados a modo de jeroglíficos, pues contienen en si mismos aspectos relevantes de cada album. El lenguaje visual fortalece la música como un complemento que articula su mensaje, de ahí que las portadas discográficas de LPD buscan transmitir la esencia sonora de cada álbum antes de ser escuchado. Esta fusión permite enlazar la alquimia del arte con la magia de la música y ambos canalizarse hacia el oyente como un Todo indivisible.

Sobre la música de The Legendary Pink Dots cabe decir que es de las pocas bandas que sabe mezclar hábilmente y con sentido y constancia, diversos conceptos de neopsicodelia, ambient music, electronic sound, tape music, psico-folk, synthpop, post punk, progressive, dark jazz, noise, pop y gothic styles. Todo ello bajo una marcada tendencia de alternancias experimentales y vanguardista que superan cualquier definición en sí misma. La arquitectura, ingeniería y cosmogonía que ofrece su música, es un paisaje integral que hace hervir las mentes de quienes los escuchan. Son pura agitación de los sentidos humanos.

Sin embargo, este diseño megalítico, lejos de permanecer estancado en su cámara de confortabilidad, ha ido evolucionando con el tiempo, cambiando e incorporando nuevas trayectorias, pero manteniéndose siempre fiel a su rúbrica característica: la constante experimentación del sonido y del concepto. Esa es la gran capacidad que tienen ciertos músicos que buscan la falsa dolce vita del éxito, la fama y el dinero, y en su lugar generar líneas de trabajo contrastada, buscar sentidos vitales y creativos a fin de explorar múltiples capas sónicas sin caer en las limitaciones que impone la comercialidad y sus sistemas. En eso reside precisamente gran parte de la genialidad artística, en atreverse a quebrar los muros de la normalidad aceptada y tratar de seguir la propia línea sin importar las consecuencias.

Por tanto, podemos decir que el sonido general del grupo combina hábilmente las letras y los juegos vocales de Edward Ka-Spel y la refinada estructura sónica que engloba su fondo. Ello les ha supuesto ganarse la comparación con artistas como Syd Barrett, los Pink Floyd iniciales y ciertos trazos al Krautrock alemán (Can, Tangerine Dream, Ash Ra Tempel, NEU, Faust, Amon Düül…), y a grupos del corte Swans, Van Der Graaf Generator, The Residents, Suicide, Tuxedomoon, Gong, Cabaret Voltaire y Fad Gadget. Todas ellos nombres definidos como formaciones outsiders muy reacias a incrustarse dentro de los circuitos comerciales del establishment musical.

Como dato anecdótico quiero añadir que personalmente descubrí a The Legendary Pink Dots mientras investigaba un tema relacionado con el extraño caso del pintor polaco Zdzisław Beksiński. Quedé impactado cuando tuve conocimiento de que su hijo Tomasz, un popular presentador de radio, periodista musical y tremendo seguidor de The Legendary Pink Dots, se suicidó. Poco tiempo después, Beksiński fue hallado muerto en su apartamento de Varsovia con 17 puñaladas en su cuerpo. Robert Kupiec, el hijo adolescente del conserje del edificio se declaró culpable y condenado a prisión. Antes de su muerte, Beksiński se había negado a prestarle a Robert unos pocos cientos de złotys, unos 100$ del momento. Por consiguiente, leyendo esta esta trágica y macabra historia fue cuando tuve conocimiento de LPD, y desde entonces su música ha acompañado muchos de mis momentos más existenciales.

Sin duda, The Legendary Pink Dots son únicos. Desafían cualquier explicación coherente. Representan la psicodelia más surrealista que jamás se haya podido escuchar. Caos, ruido, armonía, melodías, secuencias, metamorfosis, transgresión, introspección… son solo algunos de los aspectos con los cuales te vas a topar mientras te sumerges en el abismo de su estructura sónica. Por eso, LPD son mucho más que una banda de culto, son una puerta divina y dionisiaca hacia nuevas e inesperadas percepciones. Cada disco es un viaje distinto, una incursión sin pausas ni caídas, repleta de enigmas que te harán hervir la sangre. No hay repeticiones. Sus múltiples sonoridades te arrastran a hiperdimensiones totalmente insondables bajo otros formatos. Como definió el mismísimo Aldous Huxley: «Después del silencio, lo que más se acerca a la expresión de lo inexpresable es la música». Atrévete y lo descubrirás…

MUSIC (Spotify)

https://open.spotify.com/playlist/38JRvAiTvgoh69qJGV0P25?si=531bd560a668406c

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Texto: Carlos Flaqué Monllonch

Original publicado en revista Crazyminds

SHEILA CHANDRA, LA VOZ ESPIRITUAL DE LA INDIA

Sheila Savithri Elizabeth Chandra nació en Londres. Inició su carrera como actriz interpretando a Sudhamani Patel en el drama de la BBC Grange Hill entre 1979 y 1981. Luego formó la banda Monsoon con Steve Coe y Martin Smith. Monsoon creó una fusión de música occidental y pop de la India. 

La banda solamente grabó un álbum, Third Eye en 1982, el cual logró ubicar el sencillo Ever So Lonely en la posición No. 12 de las listas de éxitos británicas. Chandra lanzó algunos álbumes como solista en la década de 1980. Publicó tres álbumes con la discográfica de Peter Gabriel Real World Records: Weaving My Ancestors Voices (1992), The Zen Kiss (1994) y A Bone Crone Drone (1996). 

En 2009, Chandra empezó a sentir los síntomas de la enfermedad que le sería finalmente detectada: glosodinia. Como resultado de ello sentía fuertes dolores al cantar, hablar o reír, lo que la llevó a quedarse muda y a abandonar de manera definitiva los escenarios.​Dada su dura experiencia, empezó a escribir libros sobre superación personal, siendo Banish Clutter Forever – How the Toothbrush Principle Will Change Your Life el primero de ellos, publicado en 2010. Recordemos a esta gran voz y espiritualidad.

VIDEOS

Monsoon - Ever So Lonely

Speaking in Tongues II (live at World In The Park 1992)

An Ocean refuses no Rive

LA REINA DEL SUR, DOS VERSIONES SERIADAS PARA UNA MISMA MUJER

 

Hay 2 series que tratan sobre Teresa Mendoza, La Reina del Sur (con Kate del Castillo) y Queen of the South (con Alice Braga), ambas basadas en la novela de Arturo Pérez-Reverte. ¿Cuál de las dos versiones te atrapa más o consideras mejor? ¿Cuál de las dos protagonistas prefieres o crees te mejor representa el papel de la reina del narcotráfico?